6 décembre | 18h30 | salle A1-172 | image

À partir d’une sélection de quatre ouvrages, Spassky Fischer propose d’aborder les différents aspects de leur production. De la création d’un livre d’art à la conception d’un rapport d’activité, le studio évoquera les singularités du design éditorial.

Basé à Paris, Spassky Fischer est un studio de design graphique fondé en 2014 par Hugo Anglade, Thomas Petitjean et Antoine Stevenot. Manon Bruet, graphiste, et Marion Bothorel, studio manager, rejoignent l’équipe par la suite.
Alliant design graphique, direction artistique et photographie, Spassky Fischer travaille principalement dans les champs artistique et culturel. Le studio est notamment en charge de la communication du MAC VAL (Musée d’art contemporain du Val-de-Marne) et, depuis 2016, de la communication du Mucem (Marseille). Leur production comprend de nombreux catalogues d’expositions — pour le Musée d’Art moderne de la ville de Paris, le Jeu de Paume, le Musée d’Orsay, les éditions Flammarion, ou encore Hatje Cantz — mais aussi des collaborations avec des plasticiens — Benoit Maire, Christophe Lemaitre, Natacha Nisic et, plus récemment, Eva Barto et Kader Attia.

20 mars 2018 | 18h30 | salle A1-172 | image

The work of Vier5 is based on a classical notion of design. Design as the possibility of drafting and creating new, forward-looking images in the field of visual communication. A further focus of our work lies on designing and applying new, up-to-date fonts. The work of Vier5 aims to prevent any visual empty phrases and to replace them with individual, creative statements, which were developed especially for the used medium and client.

| Mercredi 15 février 2017 | 18h30 | salle A061 | image

Chaque projet son contexte, chaque projet sa forme.

La présentation va exposer le rapport entre le contexte de chaque projet et comment ce contexte est amené vers sa forme. Cette relation sera illustrée à travers plusieurs projets significatifs.

biographie:

Wanja Ledowski est un graphiste allemand qui vit et travaille à Paris. Après des études de communication visuelle à Düsseldorf, il s’installe en 2006 à Paris afin de rejoindre l’atelier Intégral Ruedi Baur. Pendant ses trois ans chez Intégral, il a participé à des projets comme la signalétique de l’aéroport de Vienne, de la médiathèque Malraux à Strasbourg et à la présentation de la ville Lyon pour sa candidature au titre de Capitale de la Culture d’Europe en 2013.

Depuis 2009 il s’est mis à son compte et a fondé Wanja Ledowski — Studio. L’atelier a une approche pluridisciplinaire et les domaines d’activités sont variés comme : identité visuelle (Musée Cognacq-Jay, Festival à Villeréal), signalétique (Opéra Garnier, Pôle des langues et civilisations), Édition (La mer gelée, Edwarda)…

Il partage sa passion de la communication dans l’espace et son attrait pour la typographie en enseignant dans des écoles d’art appliqué (Université des arts de Londres, École Supérieure des Beaux-Arts de la Sarre, École d’arts Maryse Eloy/Paris…).

| mercredi 6 avril 2016 | 18h30 | salle A1-172 | image

Design d’objet.
Diriger le public, l’attirer et le guider au sein de signalétiques circonscrites, contextuelles et sur mesure, en portant une grande attention au choix des matériaux.
Au sein de l’espace de visite (extérieur ou intérieur, public ou privé), la circulation des publics est primordiale. Dans le cas d’une orientation thématique, plusieurs grands axes de travail se dégagent : se repérer, attirer l’attention sans éclipser le lieu, informer sans saturer… Qu’il s’agisse de concevoir des parcours de visite, de les construire ou de les animer, le designer d’objet travaille avec le designer graphique.

Biographie
Depuis 1990, Ludovic Vallognes travaille en tant que concepteur signalétique sur de grands projets architecturaux. En 1997, il crée l’Autobus Impérial. Situé à Paris, cet atelier s’est spécialisé dans l’étude, la conception et la gestion de programmes de signalétique spécifique et ce, en partenariat avec des équipes de maîtrise d’œuvre architecturale ou graphique.

autobus-imperial.com

| mercredi 2 mars 2016 | 18h00 | salle A1-172

dessin, dessein, design
Né en 1980, Benjamin Graindorge est diplômé de l’ENSCI en 2006. Il obtient une aide à projet 2007 du VIA pour le luminaire Paysage domestique, est sélectionné deux années consécutives au festival Design Parade d’Hyères, et remporte le concours Cinna et l’award Design aux Audi Talents Awards 2008. Après
une résidence à la villa Kujoyama à Kyoto il revient en France
et collabore avec François Bauchet pour la scénographie
de la Biennale Internationale du Design de Saint-Etienne 2010. En 2011, il expose en solo à la galerie Ymer&Malta où il présente cinq objets sur le thème de la rêverie. Contemplatif, poétique, sensible… Benjamin Graindorge est tout cela, mais il sait aussi être un fin technicien que les grandes marques industrielles sollicitent : Ligne Roset, Artuce, ou Moustache. Son travail révèle la porosité qui s’installe entre design industriel, design
de galerie, et design d’édition. Il reçoit en 2015 un label VIA Programme Ameublement pour le projet Corpus. Son exposition monographique « Habiter » a actuellement lieu à la Galerie nationale de la tapisserie, à Beauvais.

www.benjamingraindorge.fr

| mercredi 4 novembre 2015 | 15h30 | salle A1-172 | image

«avec grand soin»

Tous deux diplômés de l’Ecole Camondo en 1999, les franco-japonais Arnaud et Aki Cooren fondent A+A Cooren Design Studio. Le champ de leur activité s’élargit rapidement: produit, mobilier -avec une prédilection pour le luminaire-, bijoux, architecture intérieure, scénographie. Leurs créations, sobres et réalisées avec grand soin, sont empreintes de leurs cultures japonaise et nordique; la nature est toujours présente, sous-jacente. Leur ligne directrice est une recherche permanente de simplicité de mise en œuvre pour le fabricant, et de simplicité d’emploi pour l’usager: pas de bon produit qui ne passe par un travail d’équipe entre le fabricant et le designer.
A+A Cooren est édité par Artemide, CFOC, Habitat, Metalarte, La Redoute, Tronconi, Vertigo Bird, Yamagiwa… Ils ont dessiné un centre de recherche L’Oréal à Saint-Ouen, à Paris le showroom Shiseido Europe, la galerie de Sèvres / Cité de la Céramique, et récemment le showroom Bien Fait. Certains de leurs objets ont été primés et font partie des collections du Fonds Municipal d’Art Contemporain de la Ville de Paris – telle la pipe à eau «hawaa»-, et du Fonds National d’Art Contemporain.

www.aplusacooren.com

| mercredi 18 mars 2015 | 15h30 | salle A1-172 | image

«Expérimental»
François Azambourg est né en 1963. En 1987 il est diplômé de l’ENSAAMA où, encore étudiant, il conçoit un saxophone. Il est lauréat de la Villa Médicis hors les murs en 2003, Grand Prix du Design de la Ville de Paris 2004, Créateur de l’année 2009 au Salon du Meuble. Ses travaux sont souvent exposés au VIA, dont il a obtenu une carte blanche en 2005. Il collabore depuis 2002 avec la Galerie Kréo, est édité par Cappelini, Hermès, Ligne Roset, Cinna, Moustache, Domeau & Péres, Poltrona Frau… En 2012 la Villa Noailles lui consacre une importante exposition rétrospective. Il entreprend en 2014 un projet d’autoédition d’objets, présenté lors de la Paris Design Week, qui rend compte de sa démarche: recherche expérimentale assortie à un procédé de fabrication – ce qui a conduit à des dépôts de brevets, minimalisation du matériau, clarté de l’objet souvent poussée jusqu’à la transparence, aspect décoratif et poétique découlant directement du process, économie de moyens systématique. Cette démarche radicale inscrit aussi François Azambourg dans les prémices de la nouvelle économie qui émerge.

www.azambourg.com

| mercredi 17 décembre 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image

«La notion du vivant»
Noé Duchaufour-Lawrance, né en 1974 en Lozère, est sculpteur sur métal, formé à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués, et designer diplômé des Arts Décoratifs de Paris en 1997, section Mobilier. Il ouvre son studio en 2000. Il est lancé en 2003 en obtenant le prix «Best Design» de Time Out pour le restaurant Sketch à Londres. Son vœu est de créer un lien primaire, affectif, entre soi, l’objet et l’espace. Son écriture plastique évoque le floral et l’Art Nouveau mais relève plus de la ramification arborescente ou de la structure osseuse: «la courbe et la droite, pas la forme molle», dit-il. De par leur technique ses créations sont parfois élitistes, tendant vers la série limitée et la galerie, telle la galerie BSL qu’il a lui-même réalisée, entièrement en Corian. Partagé entre le désir de l’œuvre d’art et la volonté de faire de l’utile, il remet en évidence cette question-clé du design. Noé Duchaufour-Lawrance collabore avec Baccarat, Bernhardt Design, Cinna, Ceccotti, Zanotta, et réalise de nombreux restaurants, des salons Air France. Il a été nommé Designer de l’Année 2007 au salon Maison & Objet, et « Best designer » 2012 par le magazine GQ.

www.noeduchaufourlawrance.com

| mercredi 19 novembre 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

« poésie et industrie »
Ionna Vautrin est née en France en 1979. Elle est diplômée de l’Ecole de design Nantes Atlantique en 2002. Elle a depuis travaillé en Espagne pour Camper, en Italie pour George J. Sowden, cofondateur du groupe Memphis, et en France pour Ronan et Erwan Bouroullec. Elle ouvre son propre studio en 2011 après avoir remporté le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris, et collabore désormais avec différentes marques et éditeurs tels que Foscarini, Moustache, Kvadrat, Christian Dior, Serralunga, Sancal ou Lexon. Le goût du design lui serait venu de son affection pour la poterie, perceptible dans sa lampe Binic ou sa table Baobab. Sa connaissance du fait industriel est cachée par l’abord joueur, chaleureux et poétique de ses créations, mais le savoir-faire est bien là, solide, acquis dans l’industrie de la chaussure et de l’électroménager, avec Téfal et Moulinex. La ToolsGalerie a présenté en 2010 ses sculptures lumineuses Moaïs. En 2014 elle reçoit le Prix du Musée des Arts Décoratifs pour le papier peint Mirage.

www.ionnavautrin.com

| mercredi 23 avril 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

{Objet} Trou Noir.
Gaëlle Gabillet et Stéphane Villard, respectivement diplômés en 2001 et 2000 de l’ENSCI, fondent en 2011 le Studio GGSV. Ensemble ils avaient déjà réalisé en 2007 l’exposition So Watt! du design dans l’énergie, à l’Espace EDF Electra, elle comme scénographe, lui en tant que commissaire. En 2011 ils sont lauréats de la Carte Blanche VIA avec leur projet de recherche {Objet} Trou Noir, manifeste de leurs préoccupations concernant la transformation de la matière et la réduction du nombre des objets : ils imaginent ‘’des objets en plus pour des objets en moins’’. Leur association produit une expertise qui va du commissariat à la scénographie, du design produit à l’aménagement intérieur en passant par des études prospectives pour des groupes industriels. Ils sont édités par la galerie Cat Berro, Petite Friture et Made in design, et collaborent avec Accor, le CEA, EDF R&D, la Cité du Design, le Lieu du Design. Gaëlle Gabillet enseigne le design à l’ESAD de Reims et Stéphane Villard dirige l’atelier de projet Informe à l’ENSCI.

www.ggsv.fr

| mercredi 12 mars 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image

Connivences
Patrick Norguet est né à Tours en 1969. Après une formation d’ingénieur il est diplômé de l’ESDI Paris, une école supérieure de design. En 2000 il fonde son studio et sa chaise Rainbow, présentée au Salon du Meuble de Paris, est éditée par Cappellini et entrera dans les collections du MoMA. C’est le point de départ des grandes collaborations: Artifort, où il succède brillamment à Pierre Paulin, puis Kristalia, Glas Italia, Poltrona Frau, Flaminia, Lapalma, Alias, Tecno, Tolix. A ses débuts il réalise aussi des scénographies pour Louis Vuitton, Guerlain, Dior, Lanvin, Lancel. En 2005, il est élu designer de l’année au salon Now ! Maison&Objet et Grand Prix du Design de la Ville de Paris. En 2011 il conçoit les nouveaux restaurants Mc Donald’s, et en 2014 l’architecture intérieure des hôtels Okko. Patrick Norguet se revendique designer industriel. Il préfère l’usine à la galerie d’art: un objet est réussi quand il est technique mais que cela ne se voit pas. Adepte d’un design épuré, exigeant, durable, ce créateur discret est devenu une des forces tranquilles du design international.

www.patricknorguet.com

| mercredi 4 décembre 2013 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

Design par Constance Guisset

Constance Guisset, née en 1976 à Paris, est diplômée de l’ESSEC et de Sciences Po. Elle passe une année à Tokyo en tant qu’assistante parlementaire, puis entre à l’ENSCI dont elle obtient le diplôme en 2007, et ouvre aussitôt son studio à Paris. Son champ d’action est vaste – design objet, mobilier, scénographie, commissariat d’exposition, réalisation vidéo -. Ses créations sont vivantes et poétiques, son style est aérien, onirique, et en même temps net, graphique, jouant entre traits et ligne, comme dans son étonnante lampe Vertigo. La reconnaissance est immédiate: Grand Prix du Design de la Ville de Paris en 2008, Prix du Public à la Design Parade de la Villa Noailles en 2009, titre de Designer de l’année au Salon Maison & Objets et Audi Talents Awards en 2010. C’est une scénographe très sollicitée; pour Le Funambule et Les Nuits d’Angelin Preljocaj, pour un concert de Laurent Garnier à la Salle Pleyel, ou pour l’exposition La Mécanique des Dessous au Musée des Arts Décoratifs. Constance Guisset réalise aussi des vidéos, pour ce même musée et pour la Biennale Internationale de Design de Saint-Etienne 2010. En 2012 une exposition monographique lui est consacrée au Centre d’art Contemporain du Pays de Mayenne.

www.constanceguisset.com

| 5 décembre 2012 | 18h30 | salle A1-172 | image | vidéo

Christophe Pillet présente son travail.
D’abord tenté par une carrière musicale, il est diplômé en 1985 de l’ENSAD de Nice, puis en 1986 de la Domus Academy de Milan où il a rejoint la grande famille du design italien. Il côtoie le groupe Memphis, assiste Martine Bedin, Michele de Lucchi. En 1988, revenu à Paris, il travaille avec Philippe Starck, et en 1991 xO édite son mobilier. Il crée sa propre structure en 1993 et se voit immédiatement élu Créateur de l’année. Le VIA lui décerne une Carte Blanche en 1994. Ces succès lui confèrent vite un statut international qui ne sera plus démenti. Son style clair, net et élégant, forgé à l’école italienne, s’affirme dans les nombreux champs qu’il exploite : mobilier, objet, architecture intérieure, scénographie, direction artistique. Sa production est imposante, il y a peu de grandes marques avec lesquelles il n’ait collaboré, de Cappellini à Lancel, de JC Decaux à Lacoste. Ses créations nous sont souvent familières, tel le fauteuil «Sunset», ou le «Y’s», et se sont installées avec évidence dans le paysage sans frontières du design.

www.christophepillet.com

| 21 novembre 2012 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

«Matière Matters»
Marie Christine Dorner est diplômée de l’Ecole Camondo en 1984. Elle part vivre au Japon où elle rencontre l’éditeur Teruo Kurosaki, et produit en 1986 une collection de meubles pour «Idée». Installée à Paris, elle réalise en 1988 La Villa à Saint-Germain-des-Prés, premier hôtel parisien «design», en 1990 la tribune présidentielle du 14 juillet, toujours en fonction, et le restaurant de la Comédie Française, et conçoit en 1994 un important mobilier urbain à Nîmes. Elle a reçu en 1995 le Grand Prix du Design de la Ville de Paris. Marie Christine Dorner est aussi co-fondatrice du département Design de l’ESAD de Reims. Elle vit ensuite à Londres de 1996 à 2008, où son activité va se déployer: aménagements d’appartements privés, de bureaux, de boutiques, et de plusieurs ambassades de France. Elle enseigne au Royal College of Art et à Central Saint Martins. En 2004 sa collection «Une forme, One shape» est exposée en France et au Japon. Réinstallée à Paris, cette représentante perfectionniste de la «french touch», qui place toujours la matière et les savoir-faire d’exception au centre de son travail, poursuit ses collaborations: Baccarat, Bernardaud, Montis, Ligne Roset, Zeus… Marie Christine Dorner a été nommée en 2012 Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres.

www.dorner-design.com

| mercredi 11 avril 2012 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

crédit photo: kleinefenn@ifrance.com

Ressentir avant de voir

«La création est un muscle incontrôlé» dit Arik Levy (1963)

Artiste, technicien, designer, photographe, réalisateur…les talents de Levy sont multiples et ses oeuvres sont exposées dans des galeries et des musées parmi les plus prestigieux au monde. D’abord connu pour ses projets dans le domaine du mobilier, ainsi que pour ses installations et à ses créations en série limitée, Levy estime, néanmoins, que «Ce qui compte au monde ce sont les personnes, non pas les tables ou les chaises.»

Originaire d’Israël et installé en Europe depuis 1988, Levy travaille actuellement à Paris avec son équipe de 20 designers et graphistes au sein de son studio Ldesign. Grâce à sa vision et à celle de son associé, Pippo Lionni, Ldesign s’occupe aussi bien de projets d’identité visuelle, signalétique et packaging, que de scénographies d’exposition et aménagements d’intérieur.
Après une formation initiale assez atypique – en Israël il partageait son temps entre le surf et son agence de design graphique – Arik continue ses études au Art Center Europe en Suisse où, en 1991, il obtient son diplôme en Design Industriel avec mention.
Il obtient son premier succès international en gagnant le concours Seiko Epson Inc., grâce auquel il fait son entrée sur la scène internationale en tant que designer «pensant».
Après une courte période au Japon, où il consolide ses idées en réalisant des produits et des pièces d’exposition, il rentre en Europe où il applique son talent au milieu de la danse contemporaine et de l’opéra en créant des scénographies originales.

La création de son agence en 1997 marque le retour d’Arik Levy à ses premières passions, l’art et le design industriel. Renommé pour son design de mobilier et luminaires dans le monde entier, Arik Levy a aussi créée une ligne de vêtements et accessoires high-tech pour des sociétés en Asie.

Arik Levy, qui se considère un créateur « qui ressent » continue d’avoir un impact substantiel sur notre milieu intérieur et extérieur, son oeuvre comptant sculptures publiques – tels le Rock, sa pièce-signature – et environnements à usage multiple.

«La vie est un système de signes et de symboles, – dit-il -, où rien n’est tel qu’il paraît»

www.ariklevy.fr

| mercredi 7 décembre 2011 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

— intervention de Jean-François Dingjian et Eloi Chafaï —

Jean-François Dingjian est né en 1966. Diplômé des Beaux-Arts de Saint-Etienne en 1993 il cofonde la revue Azimuts. En 1996 il est lauréat de la Bourse Agora et en 1999 du Grand Prix de la Création de la Ville de Paris. En 2000, la galerie Kreo lui consacre une exposition avec Sylvie Fillère pour la collection de mobilier «Kid’s Kreo». Il réalise des scénographies d’exposition, «l’Homme Paré» au Musée de la Mode et du Textile en 2005, développe pour le CRAFT en 2006 «Paysage de Table» . 
Eloi Chafaï, né en 1979, est issu du milieu de l’art urbain et du graffiti. Il intègre L’ENSCI, dont il sort diplômé en 2006, et reçoit aussitôt le Grand Prix Design Parade 1 à la Villa Noailles. D’abord étudiant, puis assistant de Jean-François Dingjian, qui est directeur de projets à l’ENSCI, il crée avec lui Normal Studio en 2006. Cette agence de création industrielle, au style dépouillé et précis, obtient une aide à projet VIA en 2007 et est exposée en 2010 au Musée des Arts Décoratifs. Elle se distingue par un usage sophistiqué de technologies et de matériaux basiques qui saura séduire aussi bien Tolix, Ligne Roset, Eno que des galeries, Ymer&Malta ou ToolsGalerie.

www.normalstudio.fr

| mercredi 6 avril 2011 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

L’esprit des lieux
India Mahdavi est née à Téhéran, a vécu partout en Europe, aux Etats-Unis, a fait des études d’architecture à Paris et de design à New York. Elle se fixe à Paris où après une collaboration avec Christian Liaigre elle crée son agence en 1999. Elle est élue créatrice de l’année au Salon Maisons & Objets 2004, travaille avec Jonathan Morr, Vuitton, Joseph, Guerlain… Son éclectisme géoculturel transparaît dans ses créations: espaces conviviaux, tels le Dragon-i à Hong Kong et le Germain à Paris, ou les hôtels Condesa DF à Mexico et le Monte Carlo Beach; objets design, tel le créatif Plateau Télé conçu pour Bernardaud, voire même du mobilier subtilement réhabilité. Son style est à part: exubérant, irrévérencieux, faussement décoratif, et en même temps complexe et abouti; elle sait déjouer les codes usuels du design par une fantaisie structurée, sans jamais basculer dans le kitsch ni dénaturer les lieux pour lesquels elle compose ses élégantes figures.

www.india-mahdavi.com

| mercredi 10 novembre 2010 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

De la forme, des usages. Une exposition racontée.
Pierre Charpin est né en 1962. Artiste de formation, il se consacre au design depuis les années 90, à Ivry sur Seine. Carte Blanche VIA 1995, élu créateur de l’année 2005 au Salon du Meuble de Paris, il travaille le verre au CIRVA (1998/2001), la céramique au CRAFT (2003/2005), coopère avec Alessi, Danese, Ligne Roset, Manufacture Nationale de Sèvres, Pamar, Post Design, Tectona, Venini, Zanotta… Ses pièces font partie des collections du FNAC, du Centre Pompidou, du musée des Arts Décoratifs. Son travail de recherche, qui évalue les rapports art/design/langage, le conduit à la Design Gallery Milano et à la Galerie Kreo à Paris, avec des pièceséditées en série limitée, mais non pensées comme «design d’exception». En 2010 il conçoit les scénographies de «Mobiboom» au musée des Arts Décoratifs, et de la 3ème édition du Design Museum de la Triennale de Milan «Quali Cose Siamo».

www.pierrecharpin.com

| mercredi 5 mai 2010 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

Le quotidien, territoire de l’expérimentation
/ conférence de Laurent Matras

Fabien Cagani et Laurent Matras, nés en 1961, sont diplômés de l’École Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Ils créent en 1985 l’agence Delo Lindo, «terriblement beau» en espagnol. Designers industriels inspirés par la banalité du quotidien, ils collaborent avec le groupe SEB, Grosfillex, Legrand, Ligne Roset, et réalisent des projets d’architecture intérieure et de scénographie : Musée des Arts Décoratifs, Villa Noailles, Centre Pompidou, etc. Ils sont lauréats de la Carte blanche VIA 1992 et de la bourse FIACRE 1994. Le travail de recherche qu’ils effectuent sur le banal, opération d’extrapolation ou de «subversion des images», toujours mené dans une visée industrielle, acte une sorte de sublimation de l’objet ordinaire.

www.delolindo.com

| mercredi 24 mars 2010 | 18h30 | salle A1-172 | image

Le graphisme est un art vivant

Trop souvent, le graphisme est réduit à une fonction d’information visuelle des publics sur des événements ou des propositions sensés les concerner. Cette définition apparente à tort cette discipline à « faire de la publicité ». (ou la publicité)

Anette Lenz et Vincent Perrottet sont des créateurs dont le moyen d’expression est la conjugaison des formes graphiques.
Ils travaillent comme tout artiste… en résistance et dans la perspective de toucher l’autre à l’endroit de son intelligence et de sa sensibilité.
Leurs images accompagnent et mettent en formes les sujets que leur confient les commanditaires qui leur accordent leur confiance (et réciproquement) et ont une double fonction: informer et permettre de se réfléchir dans des formes originales.
L’ expression de l’art vivant (théâtre, danse, musique…) reste en France un espace de liberté visuelles qui permet d’inscrire
dans l’espace public de véritables créations graphiques.