| mercredi 18 mars 2015 | 15h30 | salle A1-172 | image

«Expérimental»
François Azambourg est né en 1963. En 1987 il est diplômé de l’ENSAAMA où, encore étudiant, il conçoit un saxophone. Il est lauréat de la Villa Médicis hors les murs en 2003, Grand Prix du Design de la Ville de Paris 2004, Créateur de l’année 2009 au Salon du Meuble. Ses travaux sont souvent exposés au VIA, dont il a obtenu une carte blanche en 2005. Il collabore depuis 2002 avec la Galerie Kréo, est édité par Cappelini, Hermès, Ligne Roset, Cinna, Moustache, Domeau & Péres, Poltrona Frau… En 2012 la Villa Noailles lui consacre une importante exposition rétrospective. Il entreprend en 2014 un projet d’autoédition d’objets, présenté lors de la Paris Design Week, qui rend compte de sa démarche: recherche expérimentale assortie à un procédé de fabrication – ce qui a conduit à des dépôts de brevets, minimalisation du matériau, clarté de l’objet souvent poussée jusqu’à la transparence, aspect décoratif et poétique découlant directement du process, économie de moyens systématique. Cette démarche radicale inscrit aussi François Azambourg dans les prémices de la nouvelle économie qui émerge.

www.azambourg.com

| mercredi 25 février 2015 | 18h30 | salle A1-172 | image

Après deux ans de travail commun, nous ferons le bilan, calmement, en se remémorant chaque moment.

Biographie
Après avoir obtenu notre diplôme, respectivement en 2003 et en 2004, à l’École nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art (ENSAAMA) Olivier-de-Serres, nous travaillons dans différentes agences de design graphique, en France et en Angleterre.
En 2012 nous fondons Building Paris, un studio de communication et de design graphique sensible aux porosités entre les différents champs du design. Entourés d’un réseau de collaborateurs (graphistes, typographes, développeurs, photographes, designers, architectes), nous travaillons sur des projets d’édition, d’identité visuelle et d’exposition, aux sujets et aux échelles variés, où la contrainte (temporelle, économique, matérielle, etc.) est un élément moteur du processus créatif. Nous sommes animés par un souci du détail typographique et convaincus que le design doit avant tout se mettre au service d’un contenu, auquel nous sommes particulièrement attentifs.
Notre production, marquée par un goût prononcé pour l’évidence, veille à ne pas s’enfermer dans un style ou une mode et à s’adapter à chaque contexte. Comme le dit si bien Renaud Huberlant: «Générer du contenu ne peut se faire que si on comprend ce sur quoi on travaille. C’est une question de procédure, pas d’esthétique. Cela signifie : si les choses sont bien pensées, les formes seront bonnes.»
Dans la continuité de notre pratique du design graphique, nous enseignons depuis 2008 la communication à l’École d’architecture de la ville & des territoires à Marne-la-Vallée, pour laquelle nous concevons la revue Marnes, documents d’architecture. Nous sommes régulièrement invités à donner des workshops et des conférences et à participer à des jurys dans des écoles d’art et de design.

www.buildingparis.fr

| mercredi 17 décembre 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image

«La notion du vivant»
Noé Duchaufour-Lawrance, né en 1974 en Lozère, est sculpteur sur métal, formé à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués, et designer diplômé des Arts Décoratifs de Paris en 1997, section Mobilier. Il ouvre son studio en 2000. Il est lancé en 2003 en obtenant le prix «Best Design» de Time Out pour le restaurant Sketch à Londres. Son vœu est de créer un lien primaire, affectif, entre soi, l’objet et l’espace. Son écriture plastique évoque le floral et l’Art Nouveau mais relève plus de la ramification arborescente ou de la structure osseuse: «la courbe et la droite, pas la forme molle», dit-il. De par leur technique ses créations sont parfois élitistes, tendant vers la série limitée et la galerie, telle la galerie BSL qu’il a lui-même réalisée, entièrement en Corian. Partagé entre le désir de l’œuvre d’art et la volonté de faire de l’utile, il remet en évidence cette question-clé du design. Noé Duchaufour-Lawrance collabore avec Baccarat, Bernhardt Design, Cinna, Ceccotti, Zanotta, et réalise de nombreux restaurants, des salons Air France. Il a été nommé Designer de l’Année 2007 au salon Maison & Objet, et « Best designer » 2012 par le magazine GQ.

www.noeduchaufourlawrance.com

| mercredi 26 novembre 2014 | 18h30 | salle A1-172 | image

Au cours de la conférence, le studio Akatre présentera son travail en abordant différents domaines dans lesquels ils développent leurs créations, à travers la typographie, la photographie, le design graphique, la vidéo et les installations artistiques.

Biographie

Akatre crée de véritables univers en détournant les objets du quotidien de leur fonction première pour en exploiter les qualités plastiques ou en jouant sur des sculptures dans lesquelles le corps devient le terrain de jeu de transformations multiformes.

Leurs travaux de design, de photographie ou de clips ont été exposés lors d’expositions collectives et personnelles comme au Bon Marché – Rive Gauche, au Palais des Arts de Marseille, à Chaumont pour le Festival international de l’affiche, à la Wanted Gallery, à Rennes pour « Libre Art Bitre », et à Saint-Ouen pour une rétrospective (appelée «Atroa»). Akatre a également été exposé à la Gaîté lyrique, pour l’ouverture du lieu et pour la Nuit Blanche 2013, pour leurs vidéos accompagnant les musiciens Para One & Tacteel.

Leurs installations artistiques, elles, ont été présentées à la Fondation Vasarely et à Lizières («X100», «X400», «X500» pour l’exposition collective «Nature(s)»), au Museum of Destiny (Los Angeles), à la galerie Sometimestudio, et c’est à Mains d’Œuvres en 2012, qu’ils présentent une création in situ visuelle et sonore grandiose appelée «Entre chiens et loups». Akatre expose en ce moment et sera visible jusqu’en février 2015 au Musée des Arts Décoratifs, une installation impressionnante qui plonge le visiteur dans un univers sombre et étonnant.

Une monographie du studio, appelée « Zero to Five » retrace les 5 premières années de productions imprimées, photographiques et en volume, l’ensemble y est classé par couleur sur 176 pages. Le livre est publié chez l’éditeur allemand Gestalten.

www.akatre.com

| mercredi 19 novembre 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

« poésie et industrie »
Ionna Vautrin est née en France en 1979. Elle est diplômée de l’Ecole de design Nantes Atlantique en 2002. Elle a depuis travaillé en Espagne pour Camper, en Italie pour George J. Sowden, cofondateur du groupe Memphis, et en France pour Ronan et Erwan Bouroullec. Elle ouvre son propre studio en 2011 après avoir remporté le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris, et collabore désormais avec différentes marques et éditeurs tels que Foscarini, Moustache, Kvadrat, Christian Dior, Serralunga, Sancal ou Lexon. Le goût du design lui serait venu de son affection pour la poterie, perceptible dans sa lampe Binic ou sa table Baobab. Sa connaissance du fait industriel est cachée par l’abord joueur, chaleureux et poétique de ses créations, mais le savoir-faire est bien là, solide, acquis dans l’industrie de la chaussure et de l’électroménager, avec Téfal et Moulinex. La ToolsGalerie a présenté en 2010 ses sculptures lumineuses Moaïs. En 2014 elle reçoit le Prix du Musée des Arts Décoratifs pour le papier peint Mirage.

www.ionnavautrin.com

| mercredi 5 novembre 2014 | 18h30 | salle A1-172 | image

Cette conférence sera l’occasion d’aborder son processus de création de caractères à travers différents projets et collaborations, comme l’Ostia, dessinée avec Hugo Anglade, Laure Afchain et Thomas Petitjean pour le catalogue de l’exposition «Pasolini Roma» présenté en 2013 à la Cinémathèque française à Paris, ou plus récemment un caractère dessiné avec Emmanuel Labard dans le cadre de l’exposition Filmer la guerre — Les soviétiques face à la Shoah, qui ouvrira en janvier 2015 au Mémorial de la Shoah à Paris.

Biographie
Diplômé en 2013 du DSAA Design Typographique de l’école Estienne à Paris, Yoann Minet complète sa formation à Bâle chez Ludovic Balland Typography Cabinet. Aujourd’hui, il travaille principalement comme dessinateur de caractères, en particulier pour la fonderie parisienne Production Type créée en 2014 par Jean-Baptiste Levée.

| mercredi 2 avril 2014 | 18h30 | salle A1-172 | image

Comment et pourquoi j’écris en grand
Les actualités de l’atelier, les projets et réalisations récentes ou en cours ont tous un lien avec l’écriture. L’écriture comme laboratoire de l’apprenti-poète, l’écriture comme source d’images ambivalentes et polymorphes. J’explore les rudiments du langage, les rapports entre le son et la forme, entre phonème et graphème, entre la parole et le mot dans le texte même, dans la lettre même. Dès que le contexte est favorable je conjugue le malaxage de la langue quotidienne avec la création typographique pour observer les mots, les locutions, pour détourner les slogans et les injonctions qui nous entourent. Inversions, substitutions, néologismes, consonances et décalages participent à la corrosion du sens commun. J’incite le spectateur à jouer avec l’oeuvre pour en percer les énigmes et en extraire une potentialité inattendue. Je ne crois pas à la fable de la neutralité du signe, je tente au contraire de révéler la place du corps dans le processus de lecture, mon corps et celui du lecteur.

Biographie
Pierre di Sciullo, graphiste et typographe, développe depuis une dizaine d’années ses projets dans l’espace public. Sculptures typographiques, dessins de façades, signalétiques, enseignes : ces cristallisations de l’écriture se déploient l’architecture et dans la rue. Les recherches sur l’incarnation de la voix dans l’écriture et sur le poids des slogans donnent naissance à des affiches imprimées ou peintes. Ses productions interpellent à la fois le lecteur, le citoyen et le joueur.

www.quiresiste.com

| mercredi 23 avril 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

{Objet} Trou Noir.
Gaëlle Gabillet et Stéphane Villard, respectivement diplômés en 2001 et 2000 de l’ENSCI, fondent en 2011 le Studio GGSV. Ensemble ils avaient déjà réalisé en 2007 l’exposition So Watt! du design dans l’énergie, à l’Espace EDF Electra, elle comme scénographe, lui en tant que commissaire. En 2011 ils sont lauréats de la Carte Blanche VIA avec leur projet de recherche {Objet} Trou Noir, manifeste de leurs préoccupations concernant la transformation de la matière et la réduction du nombre des objets : ils imaginent ‘’des objets en plus pour des objets en moins’’. Leur association produit une expertise qui va du commissariat à la scénographie, du design produit à l’aménagement intérieur en passant par des études prospectives pour des groupes industriels. Ils sont édités par la galerie Cat Berro, Petite Friture et Made in design, et collaborent avec Accor, le CEA, EDF R&D, la Cité du Design, le Lieu du Design. Gaëlle Gabillet enseigne le design à l’ESAD de Reims et Stéphane Villard dirige l’atelier de projet Informe à l’ENSCI.

www.ggsv.fr

| mercredi 14 mai 2014 | 18h30 | salle A1-172 | image

Variation, combinatoire, mutation, aléatoire…
« Notre penchant pour la variation n’est pas systématique […] . Mais dans certains cas – diffusion massive ou affichage de longue durée –,  […], il nous semble que la variation fonctionne un peu comme une reformulation successive du même propos, et ainsi lui confère un aspect plus équivoque, complexe, en mouvement… et donc plus vivant. La répétition dans l’affichage public, principalement occupé par les messages publicitaires, a quelque chose de mortifère, de mécanique, c’est une injonction permanente et invariable.
La question revient souvent avec certains de nos commanditaires : une seule affiche massivement diffusée n’est-elle pas plus «efficace» que plusieurs versions différentes dispatchées dans le même réseau ? La notion d’»efficacité» est en elle-même assez délicate : que s’agit-il de mesurer exactement dans le rapport d’un individu à une affiche ? Le nombre de secondes pendant lesquelles ses yeux rencontrent l’image ? La quantité d’informations qu’il en aura retenue (nom de l’évènement… dates… n° de téléphone…) ? Nous pensons plutôt qu’une affiche «efficace» est celle qui met l’esprit en mouvement, qui organise le monde dans une représentation singulière et un agencement inhabituel. La plupart de nos affiches sont complexes, elles proposent plusieurs niveaux de lecture possibles. C’est ce que nous cherchons, entre autres par le biais de la variation, et qui nous semble plus «efficace» qu’un matraquage qui fait le pari d’un individu ne répondant qu’au stimulus/réaction animal. […] »
(extrait de « Helmo, Design graphique, ping-pong et géologie » — Éditions UFR arts – Strasbourg.)

Biographie
Helmo est un duo de graphistes indépendants composé de Thomas Couderc et Clément Vauchez.
Ils se sont rencontrés en 1997, pendant leurs études à Besançon.
En 1999, ils s’installent à Paris, et poursuivent leur formation de manière différente : Clément étudie la typographie pendant 2 ans (DSAA typographie à l’école Estienne), puis travaille chez Gédéon (agence d’habillage télé). Thomas travaille en 2000 avec Malte Martin (travail d’image pour 2 théâtres), puis rejoint l’équipe d’H5 jusqu’en 2002, puis s’installe en tant que graphiste indépendant.
En 2003, avec Thomas Dimetto, ils fondent « la bonne merveille », collectif-trio de design graphique. Le trio travaille à 6 mains pendant 4 ans, puis se sépare en 2007, dans le souci de préserver la liberté d’expression de chacun des membres.
Thomas Couderc et Clément Vauchez, fondent alors Helmo.
Ils travaillent dans le champ élargi du design graphique : création d’images, affiches, signalétique, typographie, design éditorial… Ils collaborent principalement avec des institutions culturelles et des festivals en France.
Helmo est installé à Montreuil, France.

www.helmo.fr

| mercredi 12 mars 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image

Connivences
Patrick Norguet est né à Tours en 1969. Après une formation d’ingénieur il est diplômé de l’ESDI Paris, une école supérieure de design. En 2000 il fonde son studio et sa chaise Rainbow, présentée au Salon du Meuble de Paris, est éditée par Cappellini et entrera dans les collections du MoMA. C’est le point de départ des grandes collaborations: Artifort, où il succède brillamment à Pierre Paulin, puis Kristalia, Glas Italia, Poltrona Frau, Flaminia, Lapalma, Alias, Tecno, Tolix. A ses débuts il réalise aussi des scénographies pour Louis Vuitton, Guerlain, Dior, Lanvin, Lancel. En 2005, il est élu designer de l’année au salon Now ! Maison&Objet et Grand Prix du Design de la Ville de Paris. En 2011 il conçoit les nouveaux restaurants Mc Donald’s, et en 2014 l’architecture intérieure des hôtels Okko. Patrick Norguet se revendique designer industriel. Il préfère l’usine à la galerie d’art: un objet est réussi quand il est technique mais que cela ne se voit pas. Adepte d’un design épuré, exigeant, durable, ce créateur discret est devenu une des forces tranquilles du design international.

www.patricknorguet.com

| mercredi 18 décembre 2013 | 18h30 | salle A1-172

Hugo Anglade, Thomas Petitjean et Antoine Stevenot.

Après des études d’architecture et de communication visuelle, Thomas Petitjean s’installe en tant que designer graphique à Paris en 2005. Il fonde dès 2007 l’atelier Hey Ho. En 2011, il prend la direction artistique de Maquette & Mise en page. En septembre 2012, Hugo Anglade rejoint le studio après des études à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon. En avril 2013, Antoine Stevenot, diplômé des écoles Duperré et Estienne, intègre l’équipe.

La conférence sera l’occasion de présenter les derniers travaux conçus à l’atelier, les contextes dans lesquels ils sont nés et la nouvelle structure que s’apprête à fonder les trois designers. À travers cela, seront sûrement évoquées les limites d’un champ d’action et la difficulté de son décentrement.

www.maquetteetmiseenpage.fr

| mercredi 4 décembre 2013 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

Design par Constance Guisset

Constance Guisset, née en 1976 à Paris, est diplômée de l’ESSEC et de Sciences Po. Elle passe une année à Tokyo en tant qu’assistante parlementaire, puis entre à l’ENSCI dont elle obtient le diplôme en 2007, et ouvre aussitôt son studio à Paris. Son champ d’action est vaste – design objet, mobilier, scénographie, commissariat d’exposition, réalisation vidéo -. Ses créations sont vivantes et poétiques, son style est aérien, onirique, et en même temps net, graphique, jouant entre traits et ligne, comme dans son étonnante lampe Vertigo. La reconnaissance est immédiate: Grand Prix du Design de la Ville de Paris en 2008, Prix du Public à la Design Parade de la Villa Noailles en 2009, titre de Designer de l’année au Salon Maison & Objets et Audi Talents Awards en 2010. C’est une scénographe très sollicitée; pour Le Funambule et Les Nuits d’Angelin Preljocaj, pour un concert de Laurent Garnier à la Salle Pleyel, ou pour l’exposition La Mécanique des Dessous au Musée des Arts Décoratifs. Constance Guisset réalise aussi des vidéos, pour ce même musée et pour la Biennale Internationale de Design de Saint-Etienne 2010. En 2012 une exposition monographique lui est consacrée au Centre d’art Contemporain du Pays de Mayenne.

www.constanceguisset.com

| mercredi 20 novembre 2013 | 15h30 | salle A1-172 | image

Directeur de la Tools Galerie

Une expérience de galeriste
Loïc Bigot vit à Paris où il dirige ToolsGalerie, une galerie spécialisée en design contemporain qu’il a créée en 2003. Il est titulaire d’une maîtrise de droit privé effectuée à Paris X et d’un DESS de fiscalité à Paris Panthéon Sorbonne. Il a exercé des fonctions de conseil juridique et d’avocat d’affaires, de responsable de la fiscalité et des investissements pour la BNP au Koweït, de responsable d’opérations à l’étranger pour Suez jusqu’en 2000. Grand voyageur, amateur d’objets qu’il collecte dans le monde entier, il est aussi passionné de design. Il décide de fonder une galerie orientée vers la création et la production. Il y expose et édite des designers talentueux de tous horizons, certains déjà reconnus, et d’autres qu’il fait connaître. Loïc Bigot est l’un de ces rares galeristes qui osent des choix risqués et bousculent les marges du design. En juin 2009 il a reçu le Prix Designer’s Days pour la promotion du design. À travers son expérience particulière de près de dix ans, Loïc Bigot abordera notamment les thématiques suivantes : galerie et design, fonctionnement d’une galerie de design, spécificités et enjeux d’une galerie, le marché du contemporain en galerie : son organisation, ses acteurs, sa visibilité, son poids économique.

www.toolsgalerie.com

| mercredi 13 novembre 2013 | 18h30 | salle A1-172 | image

Design graphique de situation
Je proposerai dans cette conférence d’expliciter ma démarche et la position que je tente d’occuper dans le champ du graphisme.
La prise en compte du contexte (géographique, social et culturel) de chaque projet détermine mon positionnement en tant que graphiste dans le processus de travail et de création.
La qualité de la rencontre avec le commanditaire, l’écoute et l’attention portée aux contenus des projets sont en effet des points fondamentaux dans l’élaboration du projet graphique.
J’aborderai en particulier la façon dont l’expérimentation plastique touchant à la matérialité et à la texture des images et des documents – qu’ils soient imprimés ou numériques – sert de  fil conducteur dans le déploiement d’un langage visuel propre à ces différents projets, dans des domaines aussi variés que l’édition, la signalétique d’exposition ou l’identité visuelle.

Biographie
Né en 1972, diplômé de l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris en 1997, il ouvre son studio en 2002 et collabore avec des architectes (AAS, Paris/Berlin), des designers (François Azambourg, Pierre Charpin, David Dubois, Martin Szekely), de jeunes chorégraphes (Katalin Patkaï), des galeries (galerie In Situ, Galerie kreo, Galerie Vallois) et le Théâtre de Gennevilliers.
À partir de 2003, il conçoit les identités visuelles de plusieurs expositions pour le Centre Pompidou, le Mémorial de la Shoah à Paris, le MAC/VAL à Ivry-sur-Seine, le Musée d’art moderne de la Ville de Paris.
Il travaille également avec des centres d’art (villa Noailles, Cneai, DCA, Association de centres d’art contemporain) ou des institutions du ministère de la Culture et de la Communication telles que le CNAP (Centre national des arts plastiques) ou la DAP (Direction des arts plastiques).
En 2008, il a conçu l’affiche du Festival International de l’affiche et du graphisme de Chaumont 
et l’identité graphique de l’exposition La Force de l’art 02. 
Depuis 2008, il a collaboré avec le centre d’art de Chelles, Les Eglises, pour lequel il a conçu l’identité visuelle ainsi que les affiches et catalogues des expositions.
Plus récemment, en 2013, le centre d’art contemporain la Passerelle à Brest vient de lui confier la refonte de son identité visuelle et de son site internet.
Frédéric Teschner enseigne aujourd’hui le design graphique en master Espace-Communication à l’HEAD de Genève, ainsi qu’à L’Ecole nationale supérieure de création industrielle (Ensci) à Paris.
Membre de L’AGI (Alliance Graphic International) depuis 2010, son travail a été présenté dans plusieurs expositions collectives et a fait l’objet de trois expositions monographiques : à l’ESAD d’Amiens (2010), à la Bibliothèque universitaire du Havre dans le cadre d’« Une saison graphique » (2011) et à la Maison d’art Bernard Anthonioz à Nogent-sur-Marne sous le commissariat d’Etienne Bernard (2011).
En 2012, il a remporté le Premier Prix du Concours international du Festival de graphisme et de l’affiche de Chaumont.

www.fredericteschner.com

| 27 mars 2013 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

Design: la rue comme laboratoire (du possible)
Né au Mali en 1960, architecte DPLG en 1991, Cheick Diallo s’oriente vers le mobilier et effectue de 1992 à 1994 un post-diplôme à l’ENSCI. Basé à Rouen il exerce en architecte free lance et mène simultanément des recherches en design. Il est lauréat en 1993 d’un concours du Musée des Arts Décoratifs pour la chaise «Rivale» et pour la lampe «Ifen», en 1996 du Prix Afrique en Créations avec l’ADA, Association des Designers Africains qu’il a créée et dont il est président. Il reçoit un prix à la Biennale de Saint-Etienne 2004. Cheick Diallo fait le postulat de réaliser ses créations dans les rues d’Afrique avec des artisans de différentes corporations qu’il met en symbiose. Il le fait dans une démarche économique de production, non folklorique, qui élargit la notion de design. Son travail est régulièrement primé et exposé. Il crée en 2005 le mobilier de l’exposition Africa Remix au Centre Pompidou, reçoit en 2006 et 2007 le 1er Prix du Salon international du design intérieur de Montréal, le SIDIM. En 2012 une importante exposition lui est consacrée au musée Mandet à Riom. Il crée pour l’événement la ligne «Mandé».

www.diallo-design.com

| 13 mars 2013 | 15h30 | salle A1-172| image | vidéo

La matière nous ramène sur terre.
Né en 1973 à Dieppe, diplômé de l’ENSCI en 1999, il ouvre son studio à Montreuil en 2002. Porté par son goût pour la technique et le matériau il pénètre d’emblée le monde du design industriel, mais refuse de s’y laisser enfermer. Il se voit autant au service des objets du quotidien que de la création artistique ; il prône une transversalité où chaque nouveau projet peut se nourrir du précédent : bottes de moto Schott en plastique injecté, qui feront l’objet de trois brevets, téléphone mobile avec Alcatel, vase Ming revisité Fast en porcelaine chez Rosenthal, série limitée Marbre Poids Plume et lampe 13000 Volts pour la galerie Ymer & Malta. Cette non spécialisation revendiquée se retrouve dans la grande diversité de ses clients : Panasonic, Cappellini, Roche Bobois, Paco Rabanne, Krups, Lacie, Azzaro, Häagen-Dazs, Bitossi Ceramiche, Qui est Paul ?… Il a obtenu un label VIA 2006, un Good Design Award 2007, un Wallpaper Design Awards 2008, deux Reddot Design Award en 2009 et 2012. Certaines de ses créations ont été acquises par le Fonds National d’Art Contemporain.

www.cedricragot.com

| 6 mars 2013 | 18h30 | salle A1-172 | vidéo

Decodunicode
Ce livre incroyable composé avec 66 fontes réunit l’ensemble des 109 242 caractères de la norme Unicode 6.0. L’ouvrage a été récompensé l’an passé par le prix Best of Show lors de la compétition annuelle des European Design Awards, pour son approche complexe et unique du sujet, et bien sûr son excellence graphique et typographique.

Biographie
Johannes Bergerhausen (1965) a étudié le design de communication à l’université des Sciences appliquées de Düsseldorf. De 1993 à 2000, il a vécu et travaillé à Paris, entre autres avec Gérard Paris-Clavel et Pierre Bernhard. En 1998 il a reçu une bourse du Centre National des Arts Plastiques pour son travail de recherche sur le code ASCII. Il a été invité pour des conférences à Amiens, Beirut, Berlin, Bruxelles, Dubaï, Francfort, Londres, Paris, Prague, Rotterdam, San Francisco et Weimar.
En 2000, il est rentré en Allemagne et a ouvert son atelier à Cologne. De 2000 à 2002, il a été chargé de cours à l’école supérieure professionnelle de Düsseldorf et depuis 2002, il est professeur de typographie à l’université des Sciences appliquées de Mayence. Depuis 2004, il participe au projet decodeunicode.org, mis en ligne en 2005. Il travaille actuellement sur une fonte cunéiforme numérique.

www.designinmainz.de
www.decodeunicode.org
www.gutenberg-intermedia.de
www.fh-mainz.de/gestaltung

| 27 février 2013 | 18h30 | salle A1-172 | image

Création de caractères originaux destinés à la lecture sur supports papier et électronique.

Le programme de recherche Ensad Lab Type a été fondé, à l’École nationale supérieure des arts décoratifs (Paris), en 2008, dans l’esprit d’un laboratoire de recherche et de création en équipe. Pour chaque cycle, dont la durée varie entre deux et trois ans, nous définissons en amont le projet de recherche qui nous intéresse et le cadre de son développement. Nous incluons les aspects historiques aux questions formelles et esthétiques. Nous prenons en compte le contexte d’utilisation des alphabets que nous créons, en nous appuyant sur les derniers développements techniques. 

Après Hong Kong, toute l’équipe d’Ensad Lab Type II, programme typographique du Laboratoire de recherche de l’Ensad, déroule une reprise de son travail de création mené depuis octobre 2010 avec les étudiants chercheurs
Thomas L’Excellent, Virginie Poilièvre, ChristinaPoth, Haruko Sumi, les experts et professeurs invités Matthew Carter, Bruno Maag, Catherine de Smet, sous la conduite des directeurs de recherche André Baldinger & Philippe Millot. Ce programme suit celui consacré aux premiers alphabets imprimés à Paris dont sont issus les caractères ELT SorbonRomain et ELT SorbonGothique présentés en 2010 à l’ATypI à Dublin.

ensadlab.type@ensad.fr

| 12 décembre 2012 | 18h30 | salle A1-172 | image

DANSE, danse
Cette année, l’atelier a été amené à travailler sur deux projets partageant un thème commun: la danse. D’un côté la 15éme Biennale de Danse de Lyon, populaire et hautement événementiel. De l’autre le Centre National Chorégraphique de Nancy, institution culturelle historique à la programmation exigeante.
Bien que chacune de ces danses se dessine en typographie, chacun de ces projets porte ses propres questions et nous amène à redéfinir nos images pour occuper des territoires quasi opposés.

Biographie
Les Graphiquants développent depuis 2008 un travail empreint de considérations tactiles, formaliste et poétique où l’abstraction géométrique et les jeux typographiques occupent une place récurrente.
«Il nous faut du vivant. Nous assemblons dans un cadre.
Nos polices sont des objets avant d’être des lettres. Nos photos sont des décors.»
Maxime Tétard et Romain Rachlin, les deux graphistes plasticiens qui assurent la direction artistique des Graphiquants depuis leur rencontre à l’ENSAD, ne refusent pas la communication, mais ils se méfient de la «com». Ils font la différence entre «dire» et «informer». Cyril Taïeb et François Dubois assurent quant à eux la coordination de tous les projets graphiques et web.
Dès 2009, ils sont repérés avec l’affiche Floating (réalisée avec François Kenesi). Commandée par Metrobus et diffusée sur le réseau SNCF et RATP, cette image occupe depuis les espaces publicitaires laissés vacants par la crise.
Au même moment le Familistère de Guise, développé depuis 2 ans en collaboration avec Sabie Rosant, est inaugurée. Le bâtiment réhabilité en musée expose la pensée utopiste de Jean-Batiste Godin et fait la part belle à la « data visualisation ».
Depuis, ils collaborent sur de nombreux projets d’éditions, des projets culturels et événementiels notamment avec le CNAP, le Centre Pompidou Paris et le Centre Pompidou Metz (signalétique des expositions Chefs d’oeuvre, Mondrian-De Stijl, Gerhard Richter), avec le ministère de la Culture (Journées européennes du patrimoine 2012), Sèvres, cité de la Céramique, ou la biennale de Danse de Lyon. Dernièrement, ils conçoivent la nouvelle maquette d’un numéro spécial de Elle Déco dédié aux nouvelles tendances: Elle Déco Lab.

www.les-graphiquants.fr

| 5 décembre 2012 | 18h30 | salle A1-172 | image | vidéo

Christophe Pillet présente son travail.
D’abord tenté par une carrière musicale, il est diplômé en 1985 de l’ENSAD de Nice, puis en 1986 de la Domus Academy de Milan où il a rejoint la grande famille du design italien. Il côtoie le groupe Memphis, assiste Martine Bedin, Michele de Lucchi. En 1988, revenu à Paris, il travaille avec Philippe Starck, et en 1991 xO édite son mobilier. Il crée sa propre structure en 1993 et se voit immédiatement élu Créateur de l’année. Le VIA lui décerne une Carte Blanche en 1994. Ces succès lui confèrent vite un statut international qui ne sera plus démenti. Son style clair, net et élégant, forgé à l’école italienne, s’affirme dans les nombreux champs qu’il exploite : mobilier, objet, architecture intérieure, scénographie, direction artistique. Sa production est imposante, il y a peu de grandes marques avec lesquelles il n’ait collaboré, de Cappellini à Lancel, de JC Decaux à Lacoste. Ses créations nous sont souvent familières, tel le fauteuil «Sunset», ou le «Y’s», et se sont installées avec évidence dans le paysage sans frontières du design.

www.christophepillet.com