| mercredi 26 octobre 2016 | 18h30 | salle A1-172 | image

Design graphique

Cléo Charuet / Cleoburo – est directrice artistique, graphiste et réalisatrice indépendante.

De l’imprimé à l’animé, sa vision 360° lui permet d’aborder autant des identités de marque : Paris Photo notamment dont elle a conçu la  communication visuelle pour Paris et Los Angeles, Magnum Gallery ou Le Club des Directeurs Artistiques;
des campagnes publicitaires; des images de mode; des expositions/installations :
Eat, Print, Love pour les Designers Days 2013; Protest Books de Martin Parr ;
des livres Walk This Way de Sophie Bramly, Vu par David Lynch et Mutations édités par Steidl, Roger Vivier édité par Rizzoli;  des sites internet, des habillages pour la télévision et des films publicitaires.

Elle collabore avec Hermès, Chloé, Cartier, LVMH, LUMA Fondation, Arte, Orange…

Elle a conçu récemment le très remarqué et plébiscité relookage des produits Monoprix, projet qui rentrera prochainement dans les collections du Centre National des Arts Plastiques.

Une sélection de ses travaux a intégré la collection du Musée des Arts Décoratifs.

| Mercredi 19 octobre 2016 | 15h30 | salle A1-172 | image

Humanitarian Design Bureau

un design humanitaire
Antoine Choumoff est né en 1968. Titulaire des Masters Commerce International à l’INALCO de Paris et Projets Internationaux à l’UPV de Montpellier, il travaille dès 1989 dans les relations et le commerce international. Après 20 ans d’expérience en tant que consultant international auprès de grands groupes français il décide de réunir les outils de la conception industrielle et l’approche sensible du designer pour développer le concept de design au service de l’innovation humanitaire. Admis à l’ENSCI pour y suivre un Master spécialisé Création et Technologie contemporaine, il obtient le diplôme en 2012 et crée Humanitarian Design Bureau, agence de design industriel et bureau d’étude proposant des produits et services pour l’humanitaire d’urgence et le développement. HDB milite pour une approche collaborative qui prend en compte les spécificités locales naturelles et culturelles, les acteurs locaux potentiels – industriels, artisans, décisionnaires régionaux ou nationaux – afin de pouvoir subvenir au plus vite et durablement aux besoins vitaux. HDB a de nombreux produits en cours de développement.

| mercredi 12 octobre 2016 | 18h30 | salle A1-172 | image

Design graphique / Typographie / Dessin de caractère.

Perrine Saint Martin Designer graphique & dessinatrice de caractères, enseignante à l’École Supérieure d’Art des Pyrénées — Pau & François Chastanet Architecte DPLG & designer graphique, enseignant à l’Institut Supérieur des Arts de Toulouse — IsdaT, co-fondateurs de l’atelier TypoMorpho.

TypoMorpho est un atelier de conception graphique basé à Bordeaux composé d’un architecte, d’un designer graphique et d’un web designer. Quel que soit le support, cette équipe propose une méthodologie globale articulant architecture, objet et signe. Croisant typologie architecturale et morphologie urbaine, la «typomorpho» ou «morphotypo» est initialement un principe de lecture des formes d’organisation de l’espace, ouvert à l’étude de toute espèce de territoire aménagé par l’homme. L’intégration de cette approche dans le champ du design graphique permet de développer des réflexions à l’échelle du signe sur l’évolution de la communication visuelle en contexte urbain, entre palimpseste historique et suburbanisation actuelle: par extension la «typomorpho» comme étude des formes typographiques.

À partir notamment des projets signalétiques de l’aéroport low cost de Bordeaux et du Théâtre-Sénart / Scène Nationale, Perrine Saint Martin & François Chastanet reviendront sur les enjeux croisés entre architecture & dessin de signes et plus spécifiquement sur les problématiques de contextualisation. Ils présenteront également leur pratique en dessin de caractères qu’ils effectuent en parallèle du travail de commande, sur les sans sérifs de labeur et une réflexion sur les ductus contemporains.

| mercredi 6 avril 2016 | 18h30 | salle A1-172 | image

Design d’objet.
Diriger le public, l’attirer et le guider au sein de signalétiques circonscrites, contextuelles et sur mesure, en portant une grande attention au choix des matériaux.
Au sein de l’espace de visite (extérieur ou intérieur, public ou privé), la circulation des publics est primordiale. Dans le cas d’une orientation thématique, plusieurs grands axes de travail se dégagent : se repérer, attirer l’attention sans éclipser le lieu, informer sans saturer… Qu’il s’agisse de concevoir des parcours de visite, de les construire ou de les animer, le designer d’objet travaille avec le designer graphique.

Biographie
Depuis 1990, Ludovic Vallognes travaille en tant que concepteur signalétique sur de grands projets architecturaux. En 1997, il crée l’Autobus Impérial. Situé à Paris, cet atelier s’est spécialisé dans l’étude, la conception et la gestion de programmes de signalétique spécifique et ce, en partenariat avec des équipes de maîtrise d’œuvre architecturale ou graphique.

autobus-imperial.com

| mercredi 16 mars 2016 | 15h30 | salle A1-172 | image

Habiter l’Espace.
Né en 1987, Octave de Gaulle intègre en 2007 l’ENSCI et poursuit ses études au Politecnico de Milan et à la Köln International School of Design. En 2013, il développe le projet ‘Distiller One’ et obtient son diplôme avec les félicitations du jury. Fasciné par l’Espace comme champ de création industrielle et lieu de tous les possibles, il s’y investit totalement et relève ce défi de designer: balayer les certitudes sur les formes, repenser les plus évidents critères d’usage jusqu’aux plus petits détails d’ergonomie pour, en état d’apesanteur, rester immobile, contenir, éclairer, empiler… Questionné par la convivialité à bord, il imagine l’objet le plus emblématique qui soit pour partager le plaisir: un verre et une bouteille de vin. En 2014, le Musée des Arts Décoratifs et du Design de Bordeaux (MAAD) décide de le soutenir et lui propose une exposition, «Civiliser le design», qui a lieu en ce moment. Octave de Gaulle est actuellement en résidence artistique à l’Observatoire de l’Espace-CNES (Centre national d’études spatiales), et il vient de créer son agence de conception d’objets spatiaux.

Civiliser l’Espace (MADD)

| mercredi 23 mars 2016 | 18h30 | salle A1-172 | image

Biographie
Alexandre Dimos est designer graphique et éditeur. Il a cofondé le studio deValence en 2001 et la maison d’éditions B42 ainsi que la revue Back Cover en 2008 à Paris. À travers cette position, double, de concepteur et d’éditeur il tente de questionner les pratiques du design et de la création au regard de la société. Il est membre de l’AGI.

editions-b42.com
devalence.net

| mercredi 2 mars 2016 | 18h00 | salle A1-172

dessin, dessein, design
Né en 1980, Benjamin Graindorge est diplômé de l’ENSCI en 2006. Il obtient une aide à projet 2007 du VIA pour le luminaire Paysage domestique, est sélectionné deux années consécutives au festival Design Parade d’Hyères, et remporte le concours Cinna et l’award Design aux Audi Talents Awards 2008. Après
une résidence à la villa Kujoyama à Kyoto il revient en France
et collabore avec François Bauchet pour la scénographie
de la Biennale Internationale du Design de Saint-Etienne 2010. En 2011, il expose en solo à la galerie Ymer&Malta où il présente cinq objets sur le thème de la rêverie. Contemplatif, poétique, sensible… Benjamin Graindorge est tout cela, mais il sait aussi être un fin technicien que les grandes marques industrielles sollicitent : Ligne Roset, Artuce, ou Moustache. Son travail révèle la porosité qui s’installe entre design industriel, design
de galerie, et design d’édition. Il reçoit en 2015 un label VIA Programme Ameublement pour le projet Corpus. Son exposition monographique « Habiter » a actuellement lieu à la Galerie nationale de la tapisserie, à Beauvais.

www.benjamingraindorge.fr

| mercredi 10 février 2016 | 18h30 | salle A1-172

Donner du sens et rendre lisible.
Le travail d’un designer d’information est aiguillé par ces deux objectifs: exprimer la hiérarchie de l’information édictée par la rédaction et garantir le confort de lecture de l’utilisateur. Melina Zerbib nous parlera de son expérience au Monde.fr pour accomplir ces missions dans le contexte économique et industriel tendu de la presse en ligne.

Biographie
Melina Zerbib est née en 1987. Après une formation en BTS communication visuelle multimédia, elle suit le cursus du DSAA Création Typographique à l’école Estienne. Elle concentre alors ses recherches sur la structuration et l’identité des sites et applications d’information, ainsi que sur la lisibilité des supports numériques en général. Après avoir rédigé en 2009 avec Marie-Valentine Blond et Olivier Marcellin le livre «Lisibilité des sites web», elle commence à travailler comme graphiste pour Le Monde.fr en 2010, avant d’en prendre la direction artistique en 2015.

lemonde.fr

| mercredi 21 octobre 2015 | 18h30 | salle A1-172 | image

Entre pratique et recherche, Alice Savoie nous parlera de son parcours de créatrice de caractères et de chercheure. Elle présentera une sélection de projets de créations typographiques, parmi lesquels le Bogartes, proposition finaliste de la commande publique d’un caractère typographique lancée par le Centre National des Arts Plastiques en 2014 et retenu aux côtés des projets de Sandrine Nugue (lauréate) et de Damien Gautier.

Biographie
Alice Savoie est créatrice de caractères indépendante et chercheure en histoire de la typographie. Diplômée de l’École Estienne et de l’Université de Reading, elle s’est spécialisée dans la création de caractères multiscriptes et d’identité. Elle collabore avec de nombreuses fonderies internationales (Monotype, Process Type Foundry, Tiro Typeworks, OurType). Ses recherches historiques visent à étudier la relation entre création typographiques et évolutions technologiques, thème auquel elle a consacré son travail doctoral achevé en 2014 à l’Université de Reading. Elle enseigne actuellement le dessin de caractères à l’Atelier National de Recherche Typographique (Nancy) et au sein du Post-Diplôme Typographie et Langage de l’Ésad Amiens.

frenchtype.org

| mercredi 4 novembre 2015 | 15h30 | salle A1-172 | image

«avec grand soin»

Tous deux diplômés de l’Ecole Camondo en 1999, les franco-japonais Arnaud et Aki Cooren fondent A+A Cooren Design Studio. Le champ de leur activité s’élargit rapidement: produit, mobilier -avec une prédilection pour le luminaire-, bijoux, architecture intérieure, scénographie. Leurs créations, sobres et réalisées avec grand soin, sont empreintes de leurs cultures japonaise et nordique; la nature est toujours présente, sous-jacente. Leur ligne directrice est une recherche permanente de simplicité de mise en œuvre pour le fabricant, et de simplicité d’emploi pour l’usager: pas de bon produit qui ne passe par un travail d’équipe entre le fabricant et le designer.
A+A Cooren est édité par Artemide, CFOC, Habitat, Metalarte, La Redoute, Tronconi, Vertigo Bird, Yamagiwa… Ils ont dessiné un centre de recherche L’Oréal à Saint-Ouen, à Paris le showroom Shiseido Europe, la galerie de Sèvres / Cité de la Céramique, et récemment le showroom Bien Fait. Certains de leurs objets ont été primés et font partie des collections du Fonds Municipal d’Art Contemporain de la Ville de Paris – telle la pipe à eau «hawaa»-, et du Fonds National d’Art Contemporain.

www.aplusacooren.com

| mercredi 4 novembre 2015 | 18h30 | salle A1-172 | image

Biographie
Julien Priez –né en 1986 à Montreuil– étudie le graphisme, la calligraphie & le design typographique entre 2004 et 2010 à Eugènie Cotton Montreuil puis à l’école Estienne Paris. Trois ans typographe freelance –chez l’atelier Pierre Di Sciullo, Chévara et Müesli–, deux ans salarié chez Fontyou. Sa première fonte –Le Mandinor– est publiée en juin 2014. Il travaille aujourd’hui en tant que @boogypaper –calligraphe, dessinateur de caractères, graphiste indépendant– et enseigne dans plusieurs écoles à Paris.

www.julienpriez.com

| mercredi 16 décembre 2015 | 15h30 | salle A1-172 | image

«l’inutilité»
Florence Doléac, née en 1968 à Toulouse, est diplômée de l’ENSCI en 1994. En 1993 elle est membre puis co-fondatrice du brillant collectif Radi Designers, et part vivre trois ans à Vienne. Elle quitte le groupe en 2003 pour s’engager dans une voie plus personnelle et se construit bientôt une identité bien particulière, entre art contemporain et critique en acte du design. Portée par un imaginaire débordant elle déjoue joyeusement les codes usuels de l’exposition et de la production, questionne le geste et les postures, remet en cause les notions de fonction et d’utilité si chères au design. Ses créations laissent parfois l’utilisateur dans le flottement, ou dans l’embarras, comme avec ses poignées de porte molle, poil, crotte. Son travail est exposé dans les musées et les galeries: Aline Vidal, Jousse-Entreprise, Toolsgalerie, mais trouve sa véritable expression dans des installations accessibles au public, où l’on joue, dort, rit, respire… Florence Doléac reçoit diverses bourses de recherche: CRITT Chimie en 2005, AGORA en 2006, un Appel Spécifique du VIA en 2007 pour le projet Stimulisol. Elle enseigne à l’ENSAD et à l’ECAL.

www.doleac.net

| mercredi 25 novembre 2015 | 18h30 | salle A1-172 | image

Biographie
Sandrine Nugue est née en 1985. Après un BTS à l’école Estienne, elle poursuit son cursus à l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg où elle se passionne pour les mécanismes de la lecture et conçoit un caractère pour une lecture rapide et intuitive des sous-titres de film. Elle décide de se spécialiser en création de caractères typographiques en rejoignant le post-diplôme «Typographie & Langage» à l’École supérieure d’art et de design d’Amiens où elle dessine le caractère Ganeau (une famille de latines en différents corps optiques). Elle est diplômée en février 2013 et, depuis cette date, elle collabore avec des créateurs de caractères et travaille en tant que designer graphique indépendante.

sandrinenugue.com

| mercredi 6 mai 2015 | 18h30 | salle A1-172 | image

Émotions & intuitions typographiques
[…] Mon cheminement typographique est alimenté de ces «petites histoires typographiques». Récits d’aventures, réelles ou imaginaires. Issus de l’anamnèse de mes commanditaires. Somme de conjonctures, de «contextures». Je restitue en miniature dans les formes alphabétiques, des rémanences de ces histoires. Je dépose ici et là, des éclats, des lueurs. Autant de détails – plus ou moins prégnants – qui créent un climat, provoquent une émotion de lecture et une souvenance typographique. La création typographique est sans aucun doute un art du détail. À ce titre, une discipline «impressionniste», faite de retenues et d’élans minuscules.

Biographie
Olivier Nineuil est co-fondateur, associé de Typofacto. Il est dessinateur de caractères typographiques, auteur, éditeur et animateur de workshops sur la création typographique.
Depuis 1985, Olivier Nineuil dessine des polices de caractères typographiques exclusivement sur commande, pour des artistes, des éditeurs et des entreprises. A ce titre, Olivier Nineuil est un créateur discret, porte-parole typographique de ses commanditaires. Il est surtout un créateur éclectique et prolifique (plus de 200 familles de caractères).
Il a créé dernièrement des alphabets d’identité pour la compagnie Air France (avec l’agence de design Brandimage), pour des institutions telles que le Comité national olympique français ou la Fédération française de tennis (avec l’agence de design Leroy Tremblot), et dans le domaine de l’édition, il a récemment créé la typographie Jean Giono (avec Sylvie Giono) pour les éditions Hatier.
En marge de ces créations, Olivier Nineuil est particulièrement engagé dans le développement de la typographie en France. Il enseigne dans différentes écoles d’art, le dessin de caractères et ce qu’il nomme la «maïeutique typographique». Il anime des ateliers pour «faire aimer la lettre» en classes maternelle et primaire, avec son complice instituteur Serge Selvestrel. Il organise des conférences et des événements autour de la typographie, dont cette exposition rétrospective de l’œuvre du typographe Albert Boton, à l’ESAD d’Amiens en 2012. Il est enfin, vice-président des Rencontres internationales de Lure.
Engagé dans la valorisation du patrimoine typographique et dans la transmition des savoir-faire, Olivier Nineuil anime au sein de «Typofacto», une activité d’édition, consacrée au domaine de l’écriture (monographies, essais, fictions, livres jeunesse). Les 3 premiers volumes à paraître, début 2016, sont un manuel de création typographique par Albert Boton et Olivier Nineuil, une monographie du typographe Albert Boton, et un ouvrage consacré aux exotypes, par Jean Alessandrini.

www.typofacto.com

| mercredi 1er avril 2015 | 15h30 | salle A1-172 | image

Archi-objets du désir

Juan Pablo Aschner Rosselli, architecte italien-colombien né à Bogotá en 1977, est professeur au Département Architecture de l’Université des Andes et prépare une thèse de doctorat en Art et Architecture à l’Université Nationale de Colombie sur l’œuvre de Rogelio Salmona, architecte colombien majeur: en 2014 il a coréalisé un film sur son travail, Euritmia, qui a reçu le premier prix au 8e Festival international du film d’architecture d’Istanbul. Il est coauteur de livres: Daniel Bermúdez Arquitectura (Lunwerg 2010), Germán Samper (Diego Samper Ediciones 2011), Edition 2012 de la XXIIIe Biennale d’Architecture de Colombie (SCA 2012), et auteur de Contrapunto y confluencia en el concierto arquitectònico, la Biblioteca Virgilio Barco (2008). Théoricien de l’architecture et en particulier du design architectonique, Juan Pablo Aschner Rosselli a publié plus de trente articles dans diverses revues d’architecture, d’urbanisme et de sciences sociales en Asie, Europe et Amérique latine. Il exerce aussi en tant qu’architecte en Colombie, et il est directeur de la revue DEARQ.

www.juanpabloaschner.com

| mercredi 18 mars 2015 | 15h30 | salle A1-172 | image

«Expérimental»
François Azambourg est né en 1963. En 1987 il est diplômé de l’ENSAAMA où, encore étudiant, il conçoit un saxophone. Il est lauréat de la Villa Médicis hors les murs en 2003, Grand Prix du Design de la Ville de Paris 2004, Créateur de l’année 2009 au Salon du Meuble. Ses travaux sont souvent exposés au VIA, dont il a obtenu une carte blanche en 2005. Il collabore depuis 2002 avec la Galerie Kréo, est édité par Cappelini, Hermès, Ligne Roset, Cinna, Moustache, Domeau & Péres, Poltrona Frau… En 2012 la Villa Noailles lui consacre une importante exposition rétrospective. Il entreprend en 2014 un projet d’autoédition d’objets, présenté lors de la Paris Design Week, qui rend compte de sa démarche: recherche expérimentale assortie à un procédé de fabrication – ce qui a conduit à des dépôts de brevets, minimalisation du matériau, clarté de l’objet souvent poussée jusqu’à la transparence, aspect décoratif et poétique découlant directement du process, économie de moyens systématique. Cette démarche radicale inscrit aussi François Azambourg dans les prémices de la nouvelle économie qui émerge.

www.azambourg.com

| mercredi 25 février 2015 | 18h30 | salle A1-172 | image

Après deux ans de travail commun, nous ferons le bilan, calmement, en se remémorant chaque moment.

Biographie
Après avoir obtenu notre diplôme, respectivement en 2003 et en 2004, à l’École nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art (ENSAAMA) Olivier-de-Serres, nous travaillons dans différentes agences de design graphique, en France et en Angleterre.
En 2012 nous fondons Building Paris, un studio de communication et de design graphique sensible aux porosités entre les différents champs du design. Entourés d’un réseau de collaborateurs (graphistes, typographes, développeurs, photographes, designers, architectes), nous travaillons sur des projets d’édition, d’identité visuelle et d’exposition, aux sujets et aux échelles variés, où la contrainte (temporelle, économique, matérielle, etc.) est un élément moteur du processus créatif. Nous sommes animés par un souci du détail typographique et convaincus que le design doit avant tout se mettre au service d’un contenu, auquel nous sommes particulièrement attentifs.
Notre production, marquée par un goût prononcé pour l’évidence, veille à ne pas s’enfermer dans un style ou une mode et à s’adapter à chaque contexte. Comme le dit si bien Renaud Huberlant: «Générer du contenu ne peut se faire que si on comprend ce sur quoi on travaille. C’est une question de procédure, pas d’esthétique. Cela signifie : si les choses sont bien pensées, les formes seront bonnes.»
Dans la continuité de notre pratique du design graphique, nous enseignons depuis 2008 la communication à l’École d’architecture de la ville & des territoires à Marne-la-Vallée, pour laquelle nous concevons la revue Marnes, documents d’architecture. Nous sommes régulièrement invités à donner des workshops et des conférences et à participer à des jurys dans des écoles d’art et de design.

www.buildingparis.fr

| mercredi 17 décembre 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image

«La notion du vivant»
Noé Duchaufour-Lawrance, né en 1974 en Lozère, est sculpteur sur métal, formé à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués, et designer diplômé des Arts Décoratifs de Paris en 1997, section Mobilier. Il ouvre son studio en 2000. Il est lancé en 2003 en obtenant le prix «Best Design» de Time Out pour le restaurant Sketch à Londres. Son vœu est de créer un lien primaire, affectif, entre soi, l’objet et l’espace. Son écriture plastique évoque le floral et l’Art Nouveau mais relève plus de la ramification arborescente ou de la structure osseuse: «la courbe et la droite, pas la forme molle», dit-il. De par leur technique ses créations sont parfois élitistes, tendant vers la série limitée et la galerie, telle la galerie BSL qu’il a lui-même réalisée, entièrement en Corian. Partagé entre le désir de l’œuvre d’art et la volonté de faire de l’utile, il remet en évidence cette question-clé du design. Noé Duchaufour-Lawrance collabore avec Baccarat, Bernhardt Design, Cinna, Ceccotti, Zanotta, et réalise de nombreux restaurants, des salons Air France. Il a été nommé Designer de l’Année 2007 au salon Maison & Objet, et « Best designer » 2012 par le magazine GQ.

www.noeduchaufourlawrance.com

| mercredi 26 novembre 2014 | 18h30 | salle A1-172 | image

Au cours de la conférence, le studio Akatre présentera son travail en abordant différents domaines dans lesquels ils développent leurs créations, à travers la typographie, la photographie, le design graphique, la vidéo et les installations artistiques.

Biographie

Akatre crée de véritables univers ne manquant pas d’humour ou de malice, en détournant les objets du quotidien de leur fonction première pour en exploiter les qualités plastiques ou en jouant sur des sculptures dans lesquelles le corps devient le terrain de jeu de transformations multiformes.

Leurs travaux de design, de photographie ou de clips ont été exposés lors d’expositions collectives et personnelles comme au Bon Marché – Rive Gauche, au Palais des Arts de Marseille, à Chaumont pour le Festival international de l’affiche, à la Wanted Gallery, à Rennes pour « Libre Art Bitre », et à Saint-Ouen pour une rétrospective (appelée «Atroa»). Akatre a également été exposé à la Gaîté lyrique, pour l’ouverture du lieu et pour la Nuit Blanche 2013, pour leurs vidéos accompagnant les musiciens Para One & Tacteel.

Leurs installations artistiques, elles, ont été présentées à la Fondation Vasarely et à Lizières («X100», «X400», «X500» pour l’exposition collective «Nature(s)»), au Museum of Destiny (Los Angeles), à la galerie Sometimestudio, et c’est à Mains d’Œuvres en 2012, qu’ils présentent une création in situ visuelle et sonore grandiose appelée «Entre chiens et loups». Le trio expose en ce moment et sera visible jusqu’en février 2015 au Musée des Arts Décoratifs, un installation impressionnante qui plonge le visiteur dans un univers sombre et étonnant.

Une monographie du studio, appelée « Zero to Five » retrace les 5 premières années de productions imprimées, photographiques et en volume du trio, l’ensemble y est classé par couleur sur 176 pages. Le livre est publié chez l’éditeur allemand Gestalten.

www.akatre.com

| mercredi 19 novembre 2014 | 15h30 | salle A1-172 | image | vidéo

« poésie et industrie »
Ionna Vautrin est née en France en 1979. Elle est diplômée de l’Ecole de design Nantes Atlantique en 2002. Elle a depuis travaillé en Espagne pour Camper, en Italie pour George J. Sowden, cofondateur du groupe Memphis, et en France pour Ronan et Erwan Bouroullec. Elle ouvre son propre studio en 2011 après avoir remporté le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris, et collabore désormais avec différentes marques et éditeurs tels que Foscarini, Moustache, Kvadrat, Christian Dior, Serralunga, Sancal ou Lexon. Le goût du design lui serait venu de son affection pour la poterie, perceptible dans sa lampe Binic ou sa table Baobab. Sa connaissance du fait industriel est cachée par l’abord joueur, chaleureux et poétique de ses créations, mais le savoir-faire est bien là, solide, acquis dans l’industrie de la chaussure et de l’électroménager, avec Téfal et Moulinex. La ToolsGalerie a présenté en 2010 ses sculptures lumineuses Moaïs. En 2014 elle reçoit le Prix du Musée des Arts Décoratifs pour le papier peint Mirage.

www.ionnavautrin.com